Sung-hee Choi

The purpose of this paper is to share and to analyze problems and issues discussed by major scholars of feminist pedagogy. I review their criticism of traditional approaches (including critical pedagogy) that over-emphasize reason/theory while neglecting (women’s) emotion/experience. Martindale's critique of so-called “nurturing” pedagogy, Middleton’s “life history pedagogy,” Jung’s “conflict pedagogy,” and Orner and Ellsworth’s criticism of moral superiority of paternalistic critical pedagogy a

This paper, which aims to delineate Sarah Ruhl’s unique position in the changing geography of women’s theatre in the U.S. today, investigates how Sarah Ruhl’s plays succeed both tradition of popular theatre and genealogy of feminist theatre with her unique aesthetics of “Ovidian dramaturgy.” First I devise and suggest a new theoretical framework called “feminism 3.0” which allows us to transcend the generational barriers of ‘wave’ model and explore the new territory of “a third space” in which d

드라마와 연극이론을 가르치는 필자가 속해 있는 가장 안정적인 성역, 그래서 스스로를 추방하고 새로운 경계에 서야 할 수행적 터전은 바로 교실이다. 교실은 퍼포먼스 연구의 ‘역설적 한계’를 극복하는 두 번째 방법, 즉 이론의 과도화가 초래할 수 있는 학문적 실천적 한계를 인식하고 모든 것을 ‘읽어내려는’ 학자의 ‘보편적’ 눈/이성/논리로부터 연구자 자신의 손과 발 그리고 감정과 감각으로 ‘지식’의 촉수를 배분, 확장시키는 ‘적극적’인 노력이 절실히 요구되는 퍼포먼스 연구의 ‘현장’이자 ‘최전선’이다. 그런 점에서 텍스트의 질서에서 몸의 수행성으로, 생산품에서 생산과정으로 무게중심을 옮겨놓은 퍼포먼스 연구는 지식 헤게모니를 두고 다른 영역과 다툴 수밖에 없는 분과 학문으로서가 아니라 인문학 교육의 내용과 방법을 쇄신할 수 있는 교육 패러다임으로서 더 큰 가능성과 잠재력을 지니고 있다. 헨리 지로(Henry Giroux)는 저서 『교육과 문화연구: 수행적 실천을 향하여』(Education

The purpose of this paper is to analyze Sarah Ruhl’s “mourning trilogy”— Eurydice, The Clean House, and Dead Man’s Cell Phone—with the concepts of Apolline and Dionysiac based on Nietzsche’s The Birth of Tragedy. We argue that Ruhl’s unique dramaturgy gives ‘rebirth’ to tragedy through the aesthetic convergence of Apolline and Dionysiac, which is especially well shown in the “mourning trilogy” in which Ruhl turns the mourning into a celebration and reaffirmation of life force by giving Apolline

This paper studies how the current debate on multiculturalism is reflected in the Asian American drama. Ethnic theatre, in which actor's live body foregrounds the racial identity that is primarily defined by physical difference, has been the most instant and vivid laboratory experimenting multiculturalism, the America's no. 1 hypothesis/ideal. Since the 1970s Asian American drama has attempted to re-vision idealistic assumptions of American Melting Pot, taking various forms of multiculturalism.

The background of the so-called “culture war” of academia is the collision between the traditional literary studies and anti-traditional cultural studies. On the one hand, the old school offers impassioned defenses of the notion of humanism as a foundation of (western) literature; on the other hand, a new generation of scholars contends that the current crisis of humanities can be seen as a result of the failure of the humanism. This argument leads into related critical issues concerning the fut

This essay is an attempt to read Sarah Kane’s Blasted ‘based on violence,’ which is distinguished from dealing with violence just as means of representation; it is to see violence expressed in this play as necessary choice for Kane to reveal the reality she feels. In a word, what matters is the connection between violences looking irrelevant at first glance or in the common sense: i.e., the daily violence which seems to be personal and take place ‘here,’ and the terrible violence that we can wat

이 글은 9/11과 아방가르드 예술 사이에 존재하는 이념적/미학적 연결고리와 역학관계를 살펴보고 이를 토대로 동시대 연극학의 현주소와 방향성에 대한 반성적 검토를 시도한다. 최근 한국 연극학계가 천착하고 있는 퍼포먼스 연구, 포스트드라마 연극, 장소특정적 연극의 공통점은 1)재현의 허구성과 언어의 무력함을 폭로하고 2)의미에 대한 사유보다는 ‘사건’의 ‘체험’을 강조하며 3)극장과 무대가 아닌 일상과 삶의 현장을 ‘공략’하는 서구 아방가르드 연극의 이념적 미학적 특징을 계승한다는 것이다. 본 논문은 9/11을 “역사상 가장 위대한 예술”이라고 명명한 독일의 전위 예술가 슈토크하우젠의 발언을 아방가르드 연극의 미학적, 이념적 뿌리와 연결된 하나의 ‘증상’으로 파악하고 “실재에의 열정”을 각각 9/11과 현대 연극의 근본적 욕동(drive)으로 지목한 지젝과 드 보스의 이론을 바탕으로 재현을 거부하고 연극의 안과 밖의 경계를 지우려는 아방가르드 연극이론에 내재한 위험성을 지적하고 결론을

Judith Butler, with her theory of performativity, questions the idea of 'stable' identities to insist that identity exists only in a reiterated 'doing' that is coerced by a cultural apparatus. Querying the relation between performativity and performance, this paper first attempts to examine how theatrical performance is ‘othered’ by Austin and Butler who exclude performance from their theories of performativity and also by recent theories of avant-garde theatre—“ideology of modernisms.” Instead

Teaching Drama as Cultural Studies:Beyond Binary Oppositions of Text/Performance, High/Low Culture

In the public/academic discourse on Americanization and modernization of Korea, which is dominated by male-centered socio-political metanarratives, women's experience has been largely ignored or marginalized. Questioning the "dominant reading" that posits women's Americanization as victim's history or negative side effect of modernization, this paper attempts to show how Korean women in the 1950s encountered, experienced, and translated American culture "differently" from nationalist male elites

미국의 여성극작가인 세라 룰(Sarah Ruhl)의 <깨끗한 집(The Clean House)>(2004)은 코미디에서는 잘 다뤄지지 않는 죽음이라는 주제를 ‘농담’이라는 희극적 요소에 녹여낸 작품으로 감각적인 요소와 결합된 감정의 고양을 통해 죽음을 하나의 희극적 제의이자 축제로 변형시키는 결말을 제시한다. 본고는 이 작품이 관객에게 주는 극적 효과가 아리스토텔레스가 비극적 경험의 특징으로 제시한 카타르시스와 흡사하다는 점에 주목하여 고전 비극을 중심으로 전개되어 온 카타르시스 이론의 시대적, 장르적 한계를 비판적으로 검토하고, 풍자와 조롱에 집중되어 온 서구 희극 담론의 맹점을 분석한 후 한국의 별신굿과의 비교문화적 분석을 통해 <깨끗한 집>의 희극적 카타르시스가 주는 제의적 효과를 설명하고자 한다. 이는 별신굿과 <깨끗한 집> 간의 분명한 역사적, 문화적 차이를 간과하려는 것이 아니라 그 너머에 존재하는 보편적인 미학을 통해 세라 룰의 독특한 드라마터지를 새롭게 조명할 수 있는