[論文レビュー] Enacting Musical Worlds: Common Approaches to using NIMEs within Performance and Person-Centred Arts Practices

Lauren Hayes|arXiv (Cornell University)|Dec 2, 2020

Music Technology and Sound Studies参考文献 10被引用数 6

ひとこと要約

本論文は、NIME（Musical Expressionのための新しい楽器）を通じた音楽的関与が、感覚運動的相互作用、生理的要因、社会的文化的文脈によって形作られる、能動的で身体的（エンアクティブ）なプロセスとして理解されるべきであると提唱する。ライブエレクトロニクス・パフォーマンスおよび複雑な障がいを有する人々を対象としたパーソンセンタードアートにおける民族学的および実践志向の研究を通じて、NIMEは個々の歴史やニーズに合わせてパーソナライズされた場合に最大の効果を発揮することを示している。これにより、反復的かつ文脈に敏感な設計プロセスを通じて、独自で表現的かつ社会的に意味のある音楽的世界が生じる。

ABSTRACT

Live music making can be understood as an enactive process, whereby musical experiences are created through human action. This suggests that musical worlds coevolve with their agents through repeated sensorimotor interactions with the environment (where the music is being created), and at the same time cannot be separated from their sociocultural contexts. This paper investigates this claim by exploring ways in which technology, physiology, and context are bound up within two different musical scenarios: live electronic musical performance; and person-centred arts applications of NIMEs. In this paper I outline an ethnographic and phenomenological enquiry into my experiences as both a performer of live electronic and electro-instrumental music, as well as my extensive background in working with new technologies in various therapeutic and person-centred artistic situations. This is in order to explore the sociocultural and technological contexts in which these activities take place. I propose that by understanding creative musical participation as a highly contextualised practice, we may discover that the greatest impact of rapidly developing technological resources is their ability to afford richly diverse, personalised, and embodied forms of music making. I argue that this is applicable over a wide range of musical communities.

研究の動機と目的

• NIMEが多様な音楽的文脈において、身体的で社会的・文化的に埋め込まれた実践としてどのように機能するかを調査すること。
• 特に複雑な障がいを有する人々を対象として、個々の生理的・認知的・文化的ニーズに応じる音楽技術の設計という課題に取り組むこと。
• 効果的なNIME開発は技術的最適化から生じるのではなく、ユーザーの体験や感覚運動能力との深い反復的関与から生じることを示すこと。
• 実験的エレクトロニクス音楽の実践とパーソンセンタードアートの間のギャップを埋めるために、共通のエナクティブで関係的音楽的創造の原則を浮き彫りにすること。

提案手法

• ライブエレクトロニクス音楽のパフォーマーとして、およびパーソンセンタードアートプロジェクトにおける共同作業者としての個人的体験を対象とした民族学的・現象学的調査を実施すること。
• 長期間にわたるユーザー中心の関与を通じてNIMEを設計・反復的改善すること。リアルタイムのフィードバックループと適応型ソフトウェアを含む。
• 感覚運動的結合とユーザーの自律性を支援するため、マルチモーダルフィードバック（触覚的、視覚的、聴覚的）をNIMEインターフェースに採用すること。
• エナクション理論における構造的結合理論を用い、パフォーマー、楽器、環境の間の時間的経過に伴う共進化をフレームワーク化すること。
• 個人的・文化的に意味のあるソース（例：家族の声、なじみの音）からカスタマイズされたサウンドライブラリを構築し、音楽的表現を体験に基づくものにすること。
• 複雑なニーズを有するユーザーの安全性とアクセシビリティを確保するため、物理的設計制約（例：封止されたボタン、振動フィードバック）を実装すること。

Figure 1: Networked interactions.

実験結果

リサーチクエスチョン

• RQ1 生理的・文化的・音楽的歴史は、パフォーマンスおよび治療的文脈におけるNIMEの開発と使用にどのように影響を及えるか？
• RQ2 NIMEとの感覚運動的相互作用は、パフォーマーの身体的体験および社会的文化的環境と、どのように共進化するか？
• RQ3 標準的な音楽教育や楽器に依存せずに、複雑な障がいを有する人々の自律性と意図性を支援するNIMEは、どのように設計できるか？
• RQ4 ユーザーと楽器との間の構造的結合が、どのように独自でパーソナライズされた音楽的世界を形作るか？
• RQ5 ライブエレクトロニクス音楽パフォーマンスから得られる知見は、パーソンセンタードアート向けにアクセス可能で表現的なNIMEの設計に、どのように応用できるか？

主な発見

• NIME開発は、ユーザーの生理的・文化的歴史を反映する文脈に敏感な繰り返しの相互作用を通じて進化する場合に最も効果的である。
• 最も効果的なNIMEは、技術的に洗練されてはいないが、ユーザーの感覚的嗜好、運動能力、感情反応に深くパーソナライズされたものである。
• NIMEを通じた音楽的関与は、人々、楽器、環境の間のダイナミックな関係から意味が生じる社会的関係の媒体として機能する。
• 振動モーター、LEDライトなどの感覚フィードバック機構は、特に言語的コミュニケーションに制限のあるユーザーにおいて、参加意識の向上と相互作用の確認に顕著に寄与する。
• 反復的かつユーザー主導の設計プロセスにより、ソフトウェアおよびインターフェースの適応的変更が可能となり、長期的な関与と発達的関連性が保証される。
• エナクティブで身体的音楽的創造の原則は、前衛的パフォーマンスから療法的アートまで多様な文脈に共通しており、関係的で表現的な実践の共通の基盤を示している。

Figure 2: Detail of M’s Piano.